jueves, 6 de mayo de 2010

La Muerte del Cisne


La Muerte del Cisne es una creación sobre la música del compositor francés Camille Saint-Saens, puesto en escena por Mikhail Fokin, y pertenece al cuento "El Carnaval de los Animales" de Saint-Saens. Se convirtió en un Ballet de tres partes, pero no obtuvo gran éxito.


Por ese motivo se extrajo la segunda parte titulada "El cisne" . Sobre esta música Fokin creó la coreografía para Anna Pavlova en 1905. Con esta obra se da inicio a géneros como miniatura danzaria, ballet-monólogo, declamación coreográfica. Pasado algún tiempo, toda interpretación de "El Lago de los Cisnes" era inconcebible sin tener como punto de referencia "Muerte del cisne".



El espectro de la Rosa

"Le Spectre de la Rose" es una obra emblemática del ballet creada por Michael Fokine a principios del siglo XX.
Con música de Carl María Von Weber, el 19 de abril de 1911 interpretaron los role principales Tamara Karsavina y Vaslav Nijinski, sobre una coreografía firmada por Michel Fokine.



Fue el primer ballet presentado por Diaghilevs y sus Ballets Russos en el Teatro de Monte-Carlo el 18 de abril de 1911.


Unos versos del poeta Théophile Gautier titulado "Después del Baile", que comienza diciendo: "Yo soy el espectro de la rosa, que tu llevaste ayer al baile "... inspiraron a Jean-Louis Vaudoyer este corto ballet. Escenográfo León Bakst.


Argumento

El ballet cuenta la historia de una joven que vuelve de un baile a su hogar y se encuentra en su habitación con una rosa en la mano. Al respirar su perfume con profundidad, se abandona en una butaca y cae dormirá. En sus sueños, el espectro de la rosa aparece por la ventana arrastrándola en una danza encantada. Ella sueña que baila con el espíritu, hasta que la rosa desaparece con un salto espectacular a través de la ventana y ella se despierta y solo ve a la rosa que traía consigo.



El Cascanueces

La obra fue estrenada el 17 de diciembre de 1892, en el legendario teatro Mariinskii de San Petersburgo bajo la coreografía original de Lev Ivanov, el libro de Marius Petipa y la música de Piotr I. Tchaikovsky.
La primera historia que se conoce de El Cascanueces está basada en el libro de cuentos de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, titulado: "El Cascanueces y el Rey de los ratones" (1816). Sin embargo, el argumento que daría vida, años más tarde al ballet de Tchaikovsky deriva de una adaptación que Alejandro Dumas (padre) hiciera del texto de Hoffmann.


Ballet en dos actos y 5 escenas.

Acto I

Escena 1

Es Navidad. Entre los invitados que llegan a la casa de la familia Shtalbaun se encuentra Drosselmeier -el preferido por los niños. Impacientes, los pequeños esperan que en el árbol se enciendan las luces de colores. Llega el mago con su regalo para los niños: un teatro de marionetas. La fiesta continúa; los abuelos también bailan superando los achaques propios de su edad mientras los niños juegan. Las marionetas Colombina, Arlequino y Saracinos inician su baile. Todos están muy emocionados cuando el mago se quita su máscara: es Drosselmeier. Clara y Fritz, los hijos de Shtalbaun le piden a Drosselmeier que les regale las marionetas pero éstas ya se las han llevado. En su lugar les regala un ridículo muñeco cascanueces. Fritz arrebata el muñeco a Clara y lo rompe. Ésta le consuela echándole en la cama. Los invitados abandonan la casa después del baile para finalizar la fiesta navideña.


Escena 2

Ha anochecido y la habitación donde se encuentra el árbol adquiere un aire misterioso, casi milagroso. Asustada, Clara va a ver a su muñeco enfermo Cascanueces. Melancólica observa como un búho se convierte en Drosselmeier mientras la mira con una sonrisa burlona. A su señal, del suelo aparecen ratones encabezados por su Rey. Clara quiere huir pero las fuerzas la abandonan y sólo consigue acercarse al árbol que muy deprisa empieza a crecer, mientras todo a su alrededor cambia. Los soldados de plomo cobran vida y, encabezados por Cascanueces, inician una batalla contra los ratones. Las fuerzas son desiguales, van venciendo los ratones cuando Cascanueces se queda sólo ante el ejército de roedores. Clara lanza un zapato al Rey de los Ratones y consigue ahuyentarlos. Cascanueces yace en el suelo. Clara se acerca a él: es un joven príncipe. Él la mira agradeciendo su ayuda.

Escena 3

La habitación se convierte en un bosque invernal. Unos levísimos copos de nieve bailan milagrosamente mientras una estrella del árbol atrapa a Clara y al Príncipe Cascanueces como en un sueño, introduciéndolos en una carroza que les conducirá hasta la cima del árbol.


Acto II

Escena 4

Juntos inician su viaje hacia la cima del árbol, pero los ratones les alcanzan entablándose una nueva batalla. En esta ocasión Cascanueces sale vencedor. Llegan al reino de los muñecos donde son recibidos por doce pajes. El Príncipe narra lo sucedido y cuenta como Clara le salvó, motivo por el que todos muestran su agradecimiento, celebrando una gran fiesta en honor de ambos. Se despiden del reino de las Nieves y siguen su camino por el Río de la Limonada hasta llegar al Reino de las Golosinas donde la Reina de los Dulces los espera con un agasajo en su honor en donde varios bailarines de distintas partes del mundo bailan para ellos.


Escena 5

Finalmente, el mundo de ensueño de Clara se desvanece y ella se despierta dándose cuenta que todo ha sido un sueño. Sus padres van a buscarla para que salga al portón a despedir a su padrino Drosselmeyer quien junto con Daniel regresa a su taller de relojes y muñecos.

La Escuela Bolera

La Escuela Bolera estudia las danzas españolas del siglo XVIII. Conocidas como “Goyescas”, estas danzas cortas se bailan con trajes de la época del pintor Goya, de ahí su nombre popular, con zapatillas y castañuelas.




Se entiende por Escuela Bolera o Baile de Palillos (que ambos términos son similares), a un estilo de baile que empezó a desarrollarse en Andalucía y que, básicamente, consistía en la transformación de ciertos bailes populares en danzas de exhibición profesional, refundidas en academias de baile. El sistema seguido por dichas escuelas, era semejante al método que tenia el ballet clásico en el que probablemente se inspiraron; ejercicios en la barra y en el centro, destinados a crear una técnica y una vez conseguida, se aplicó a los bailes que quedaron sometidos a estructuras fijas, eliminando así toda improvisación del bailarín.
Los bailes que dio a conocer La Escuela de Palillos o Bolera se han conservado intactos de técnica y nomenclatura. Por ejemplo: los panaderos, olés, boleros, seguidillas, fandangos, jaleo de jerez, la malagueña y el torero, el vito, la cachucha, etc. Algunos de ellos, con numerosas variantes coreográficas han llegado a formar un repertorio muy extenso. A pesar de estar agrupados bajo una misma denominación, estos bailes están repartidos entre dos técnicas muy distintas; mientras los boleros tiene saltos, vueltas, trenzados y pasos de elevación muy difíciles, los oles, jaleos, cachucha, etc., se centran mas en la gracia un poco desenvueltas y la picardía mientras evolucionan con pasos sencillos a ras del suelo.

Como ya es conocido, la Escuela Bolera, surge del afrancesamiento de las danzas populares que en el siglo XVIII había en España. Esta estilización se ha producido gradualmente y sin tener conciencia de cuando y de que manera, por ello en la actualidad es difícil catalogar que pasos son propios de la Escuela Bolera y cuáles no lo son. Lo que es cierto, que en la actualidad hay dos escuelas boleras, una que pertenece a sus primeros intérpretes gráficos que tenemos (Antonio Ruiz, Pilar López - primera mitad del siglo XX) de una ejecución técnica sencilla; y otra en la que se depura o afrancesa aún mas la técnica (la actual) siendo el Ballet Nacional de España en que reúne una mayor muestra. Aída Gómez, se ha destacado como una de las mejores bailarinas de Escuela Bolera actual.
Danzas Populares (ancestrales sin academicismos de tradición oral y con una coreografía determinada e inamovible, de tradición, y extremadamente diversa y amplia) más la Escuela Francesa, origina la Escuela Bolera o de Palillos.
El Baile flamenco (danza étnica, sin orígenes académicos, que surge por acompañamiento al cante flamenco y de las danzas populares de Andalucía) se estiliza o afrancesa originando una mezcla que se conoce como Danza Española (Español, Flamenco Estilizado).




El Baile flamenco posee música original influenciada por diversas culturas o etnias (gitana, árabe, judía, cristiana, latina...) Loas bailaores improvisan acompañando a los cantes flamencos de fiesta (Bulerías, Alegrías, Fandangos...) más tarde toma un carácter de exhibición y protagonismo, interpretando cantes mas serios (Solea, Seguidilla, Cañas, Polos, Zambras...). La incorporación de abanicos, mantones, bastones, batas de cola; es mucho mas reciente de lo que pensamos; y también surge casualmente e individualmente, extendiéndose de tal manera que se generaliza su utilización.
En general podemos decir que la Danza Española es tan reciente y tan viva (aún crece y se incorporan nuevas cosas) que es difícil academizarla o catalogarla, encasillarla, escribirla como el Ballet Clásico; por ello los múltiples errores de análisis. El baile flamenco como la guitarra se mantienen en la ruta de las influencias externas a otras danzas y músicas; es una forma libre abierta a enriquecerse, teniendo como base una expresión profunda, del alma, dramática; y un estilo personalizado en su máximos representantes (Bailadores y Bailadoras más famosos: Ej.: Mario Maya, Antonio Ruiz, Antonio Gades, Pilar López, Manolo Marin, Merche Esmeralda, Milagros Menjívar, Antonio Canales, Concha Calero, Los Montoyas, Cristina Hoyos, Eva Garrido, ...)
Los pasos de escuela bolera están íntimamente relacionados con variaciones de Ballet. El uso de castañuelas o palillos, es lo que caracteriza principalmente a la escuela bolera, así como la simpatía, la gracia y coquetería en la ejecución de la mayoría de las variaciones. También los quiebros (cambres, soupléss) y los "port de bras" (braceados) o movimientos de brazos. La gran diferencia que marca la Escuela Bolera es la utilización de los brazos. El braceo a la española tiene una complejidad tanto técnica como interpretativa. Pero el mayor problema es lo riquísimo que puede llegar a ser el baile si se le añade el típico toque de castañuelas o palillos. No en vano el bailarín y coreógrafo Antonio Cairón, en sus reglas de baile decía ”el baile español más célebre, el más gracioso y el más difícil tal vez, de cuantos se han inventado, es la Escuela Bolera”


vídeo: Olé andaluz
vídeo: Aída Gómez, Fandango del Candilo
vídeo: Jose Luis Ostos, Sevillanas boleras

Un poco de Historia (continuación)


En el siglo XIX, la era del ballet romántico refleja el culto de la bailarina y la lucha entre el mundo terrenal y el mundo espiritual que trascende la tierra, ejemplarizado en obras tales como Giselle (1841), Swan Lake (1895), y Cascanueces (1892).
Al mismo tiempo, los poderes políticos de Europa colonizaron Africa, Asia y Polinesia donde prohibieron y persiguieron las danzas y los tambores por considerarlos bastos y sexuales. Esta incomprensión de la danza en otras culturas parece cambiar al final de la Primera Guerra Mundial y las danzas de origen africano y caribeño crean nuevas formas de danza en Europa y en América.
La Danza en el Siglo XX
Después de la I Guerra Mundial, las artes en general hacen un serio cuestionamiento de valores y buscan nuevas formas de reflejar la expresión individual y un camino de la vida mas dinámico. En Rusia surge un renacimiento del ballet propiciado por los mas brillantes coreógrafos, compositores, artistas visuales y diseñadores. En esta empresa colaboraron gentes como: Ana Pavlov, Claude Debussy, Stravinsky, Pablo Picasso...
Paralelamente a la revolución del Ballet surgieron las primeras manifestaciones de las danzas modernas. Como reacción a los estilizados movimientos del ballet y a la progresiva emancipación de la mujer surgió una nueva forma de bailar que potenciaba la libre expresión. Una de las pioneras de este movimiento fué Isadora Duncan. A medida que la danza fué ganando terreno, fué rompiendo todas las reglas.
Desde los años 20 hasta nuestros dias nuevas libertades en el movimiento del cuerpo fueron los detonantes del cambio de las actitudes hacia el cuerpo. La música con influencias latinas, africanas y caribeñas inspiraron la proliferación de las salas de baile y de las danzas como la rumba, la samba, el tango ó el cha cha. El renacer del Harlem propició la aparición de otras danzas como el lindy-hop ó el jitterbug.
A partir de la década de los 50 tomaron el relevo otras danzas mas individualistas como el rock and roll, el twist y el llamado free-style; luego apareció el disco dancing, el breakdancing...
La Danza, con mayúsculas, sigue formando parte de nuestras vidas al igual que lo hizo en la de nuestros antepasados. Es algo vivo que evoluciona con los tiempos pero es consustancial con la naturaleza humana.

Un poco de Historia


La danza ha formado parte de la Historia de la Humanidad desde el principio de los tiempos. Primero como danza popular y, como danza cortesana, símbolo de lujo de las clases altas. Después como forma de entretenimiento de las clases medias en los salones de baile y en nuestros días, unida a la música popular con las llamadas danzas urbanas.
Pinturas rupestres datadas en 10.000 muestran figuras danzantes asociadas con ilustraciones rituales y escenas de caza.

En la tradición Hindú, Shiva Natarj, el Creador, es el Bailarín Cósmico que hace danzar el mundo a través de los ciclos de nacimiento, muerte y reencarnación.
La danza ha estado asociada a los ritos religiosos en las diferentes culturas occidentales. Ha sido considerada como vehículo de comunicación con los dioses pero también ha sido proscrita considerándola una actividad peligrosa para la sociedad.

La danza en el Renacimiento:
Era el entretenimiento preferido de la nobleza. Buena parte del éxito de la música instrumental se debe a la música destinada a la danza.

En la corte de Catalina de Medici (1519-1589), naciero
n las primeras formas de Ballet de la mano del genial maestro Baltasar de Beauyeulx. En 1581, Baltasar dirigió el primer ballet de corte, una danza idealizada que cuenta la historia de una leyenda mítica combinando textos hablados, montaje y vestuario elaborados y una estilizada danza de grupo. En 1661, Luis XIV de Francia autorizó el establecimiento de la primera Real Academia de Danza. En los siglos siguientes el ballet se convirtió en una disciplina artística reglada y fué adaptándose a los cambios políticos y estéticos de cada época.
Las danzas solían agruparse en pares contrastantes, con una primera danza de ritmo binario y tempo lento, seguida de una danza de ritmo ternario y tempo rápido. Uno de los pares más populares fue la combinación “Pavana - Gallarda” ( Pavana: Proviene de “pavo”. Es una danza procesional. Gallarda: Es una danza animada).

La danza en el Barroco:
EL DESARROLLO DEL BALLET: “EL BALLET DE COUR”.

“El ballet de cour” era una obra teatral bailada que comenzaba con una “ovuverture” instrumental y terminaba con un “grand ballet” en el que participaba el propio rey. Tenía una serie de “entrèes” o escenas en las que se mezclaban el canto y la danza interpretados por profesionales. Los decorados eran esplendorosos y los bailarines iban adornador con lujosas vestimentas y máscaras.
La “opera ballet” mezcla ambas formas. Comienza la profesionalización del ballet y la aparición de las primeras grandes figuras.
LA DANZA EN SOCIEDAD: “LA SUITE”.
Durante el barroco gran parte de las composiciones instrumentales siguen destinándose al baile. La “suite” es una forma instrumental compuesta por la agrupación de varias danzas .Se escriben para un solo instrumento o un conjunto instrumental.
El numero de danzas puede variar pero el diseño básico será: Allemanda, Courante, Zarabanda y Giga. Con el paso del tiempo, la suite irá perdiendo su carácter danzable para convertirse en una forma puramente instrumental.
(Allemanda: origen alemán, danza calmada de ritmo binario; Courante: significa correr, es una danza rápida de compás ternario; Zarabanda: danza de pasos de origen español, movimiento lento de compás ternario; Giga: origen inglés, danza rápida en 6/8)
Los tipos de danza:
Ateniéndonos al desarrollo histórico podemos hablar de 2 tipos de danzas:
DANZA EN SOCIEDAD:
Es una sucesión de pasos y movimientos ejecutados según un ritmo:
Danza popular: Es la danza tradicional de los pueblos basados en sus propias músicas y símbolo de festividades religiosas y profanas. En España hay una gran riqueza de bailes populares: jotas, bailes flamencos, sardanas, boleros, danzas de rueda…
Danza cortesana: Es la danza utilizada como entretenimiento y manifestación del poder de las clases sociales altas. Su época fue en las cortes del Renacimiento y el Barroco. Son danzas en grupo.
Danza de salón: Aparecen en el s. XIX como fruto de la nueva sociedad burguesa. Son danzas de carácter más rítmico en grupo, parejas o individuales; como el vals, la polca, el charlestón…
Danza urbana: Es la sociedad actual. Son bailes derivados del rock, el break-dance, el hip-hop y la música disco.
DANZA TEATRAL:
Es la composición coreográfica destinada a ser representada en público.
Danza clásica o ballet: Su origen fue a finales del XVI y se mantiene hasta hoy conviviendo con la danza moderna. Se caracteriza por la narración de una historia y sus personajes, la búsqueda de formas bellas y elegantes, la exigente formación técnica de los bailarines y la coreografía basada en determinadas posiciones y pasos estrictamente determinados.
Danza moderna: Iniciada a comienzos del XX. En ella se observan la libertad total de planteamientos, la búsqueda de la emoción y no de belleza, la independencia de la danza respecto a la narración e inclusive de la música y el rechazo a las formas de movimiento establecidas, utilizando una gran variedad de pasos y estilos.



lunes, 3 de mayo de 2010

Muchos bailan pero pocos son bailarines



La danza es la construcción del movimiento en el espacio, en el cual se incorporan el ritmo, el tiempo y la expresión corporal.

De las diferentes expresiones de la danza, el ballet o danza clásica es la que ha desarrollado un complejo soporte técnico, para constituirse en un arte escénico por excelencia, cuya existencia tiene más de 200 años de evolución, y cuya ejecución significa para quienes los realizan, disciplina, concentración, capacidad física en cuanto a flexibilidad, fuerza, coordinación, orientación, ritmo, así como muchas horas de entrenamiento y dedicación.